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Fotografía

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Exposición en el Museo Arqueológico Nacional (C/ Serrano, 13, detrás de la Biblioteca Nacional) organiza esta interesante exposición de fotografía de la Alhambra que tiene un interés evidente para nosotros y el trabajo en curso.

El Museo Arqueológico Nacional presenta una mirada íntima y personal a los jardines y palacios de la Alhambra, a través de 57 fotografías realizadas con la misma técnica –una máquina de placas–, pero por dos artistas diferentes separados 150 años en el tiempo. Se rinde, así, homenaje a la belleza monumental de este conjunto y de su entorno natural, Patrimonio de la Humanidad desde 1984 y uno de los iconos artísticos de España.

Jean Laurent (1816-1886), francés afincado en Madrid desde 1843, fue uno de los fotógrafos comerciales más importantes del siglo XIX. Se exhiben ahora 22 obras seleccionadas de su catálogo dedicado a Granada y al monumento nazarí, un valioso documento visual de la ciudad andaluza durante la segunda mitad del siglo XIX, y una magnífica muestra del conocimiento de las técnicas de representación fotográfica propias de la época.

Fernando Manso (1961), dedicado desde hace dos décadas a la fotografía artística con las mismas técnicas del siglo XIX, muestra 35 obras de gran formato, resultado de más de 500 horas de inmersión en la Alhambra, para ofrecer al espectador una visión meditada, diferente e inédita.

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Kunsthaus Brandl. Injerto a partir de fotografías de Klaus Frahm.

Hoy en clase, y así lo hemos comentado, parecía que faltaba nervio, energía. Quizá el ejercicio no estaba correctamente planteado, quizá la actitud de los aprendices no era adecuada, quizá era todo junto y algo más…

Mientras paseaba por el aula os veía cada vez más agarrotados sin atreveros a “meterle mano” al dibujo, a atarcarlo con energía, faltándole al respeto. Cuando llevamos un tiempo trabajando con una imagen ésta empieza a impregnarnos y cada vez nos sujeta más, haciendo cada vez más difícil cambiarla, evolucionarla o – directamente – desmontarla.

Os decimos constantemente que hagáis fotos del proceso entre otras cosas para que le perdáis el respeto a lo que hay en el papel. El trabajo que realizáis debe tener siempre la consideración de un boceto, de algo no permanente. Es un vehículo para aprender y por tanto debe ser provisional y modificable.

El momento del collage ha sido especialmente revelador de todo lo apuntado antes.

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Quizá os podría ayudar la analogía del mundo del cine para cambiar vuestra actitud respecto al collage.

En una película podemos distinguir dos momentos fundamentales (hay más – como la escritura – pero para nuestra analogía estos son los relevantes):

1. El rodaje. Aquí se crean las distintas “piezas” que componen el filme, las escenas.

Durante el rodaje, el director de preocupa de sacar lo mejor posible de cada escena teniendo en cuenta el tono general de la película. Como normalmente no se rueda en el orden que está escrita una historia, el que tiene la responsabilidad de mantener el tono general y la coherencia del asunto es el director. Así, cada escena es un “cuadro” que se trabaja con el mayor rigor posible.

2. El montaje. Aquí se ordenan las “piezas” para articular la narración.

Durante el montaje, hay que articular las piezas de las que se dispone y ponerlas al servicio de la narración. Aquí, el director tiene que olvidarse de lo mucho o poco que le gustó trabajar en tal o cual escena y tiene que ser capaz de descartar o eliminar aquello que no trabaja para el conjunto de la película. En esta fase, una parte del trabajo hecho acabará en la basura.

En vuestro trabajo como productores de imágenes debéis ser capaces de poneros el sombrero de creador o montador cuando sea necesario. Resumiendo: hay que trabajar cada fase del asunto que se tiene entre manos con total libertad, sin arrastrar como pesado fardo lo hecho. Además, en nuestro caso, como gracias a la fotografía podemos registrar y reutilizar cualquier parte de nuestro proceso, el trabajo nunca está perdido. Más tarde o más temprano aflorará de nuevo.

Las imágenes que ilustran esta entrada muestran esta aproximación dual a la producción de imágenes y tienen relación con lo hablado sobre Piranesi estas semanas. Se trata de “Local Distance, common perspective images”, un trabajo de Benjamin Maus, Torsten Posselt y Frederic Gmeiner (los montadores) sobre fotografías de arquitectura de Klaus Frahm. Se trata de imágenes producidas a partir de injertos creados al separar fragmentos de las fotografías originales guardando la información de sus líneas de fuga de manera que puedan recomponerse en un nuevo armazón o andamio perspectivo creando una nueva imagen.

Pabellón de Barcelona, de Mies Van der Rohe. Injerto elaborado a partir de fotografías de Klaus Frahm.

Pabellón de Barcelona, de Mies Van der Rohe. Injerto elaborado a partir de fotografías de Klaus Frahm.

Templo de Baco. Baalbek. Líbano

Pórtico del Templo de Baco en BaalBek, Líbano. Nótese el tamaño de la figura apoyada en la jamba derecha respecto al pórtico.

Se ha hablado en clase sobre el uso de la figura humana como herramienta gráfica – junto a otras – para transmitir la escala monumental de las cárceles de Piranesi. Realmente la clave no es solamente el uso de la figura humana, sino la colocación del plano de visión (plano virtual formado por nuestros ojos y el eje óptico que marca hacia donde apunta nuestra mirada). Todos tenemos el recuerdo de nuestros padres como unos seres enormes, unos gigantes, cuando eramos pequeños y de nuestra sorpresa al crecer y ver que se hacen más y más pequeños.

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Naturalmente no es lo mismo tener el plano de visión a 50 o 60 cm del suelo que a 150 o 160 cm.

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El cambio en la percepción del contexto es notable. Fijáos en la siguiente secuencia centrada en la figura. Lo único que cambia es la altura del plano de visión que, para simplificar el problema, se mantiene paralelo al plano del suelo (esto es una perspectiva de dos puntos de fuga análoga a la utilizada por Piranesi).  La trama que veis detrás de la figura tiene siempre el mismo tamaño y sin embargo no se percibe igual. La proporción de suelo / techo varía en función de la altura del punto de vista, y ello le da pistas a nuestro cerebro para interpretar la escala.

El uso creativo de las reglas de la percepción nos permite jugar con la escala y cambiar nuestra percepción del espacio.

La giganta. Jeff Wall (1992)

La giganta. Jeff Wall (1992)

PRIMERA SEMANA

TRABAJO FIN DE SEMANA

La primera parte del curso tiene como tema “el otro”, concretamente “la imagen del otro”.

Se trata de explorar la manera de crear una imagen de una persona que sea diferente o vaya más allá de la imagen convencional que puede concretarse en la foto del carnet de identidad.

Dentro de esa temática general, el trabajo de este fin de semana consiste en elaborar un reportaje fotográfico en blanco y negro que contenga:

  • fotos del rostro, de busto y de tres cuartos.
  • fotos del personaje en su ambiente, que puede ser la escuela, su cuarto, etc…

Además se realizará una composición siguiendo la poética del artista pop británico Richard Hamilton.

Para realizar esta composición resulta conveniente, por no decir imprescindible, utilizar el texto que sobre sí mismo ha elaborado aquella persona sobre la que se trabaja. Puede resultar  necesario, además, mantener una conversación con esa persona para conocerla mejor.

La composición se elaborará preferentemente en color utilizando Photoshop (en su defecto se realizará a mano) para cortar y pegar el material que se integre en la composición.

El trabajo se llevará el jueves a clase en un pendrive.

Este documental pertenece a la serie de documentales sobre arquitectura producidos por el canal franco alemán ARTE. Estos documentales se caracterizan por un análisis minucioso de los edificios y las referencias de los arquitectos que los levantan. La serie dedica otros documentales a edificios notables como la Johnson’s Wax de FL Wright, el Centro Pompidou o el museo judío de Berlín de Daniel Libeskind.