TERCER BLOQUE DE EJERCICIOS: DIBUJO DE AMBIENTE DEL AULA

PRIMERA PARTE: ACERCAMIENTO EMOCIONAL AL ESPACIO.

CONSTRUCCIÓN DEL ESPACIO MEDIANTE LUCES Y SOMBRAS.

El ASOMBRO

Hemos comenzado el último bloque de ejercicios del curso, consistente en dibujar el ambiente del aula. El asunto implica una gran dificultad por lo que nos acercaremos a él gradualmente.

Comenzaremos con un acercamiento emocional, construyendo el espacio mediante luces y sombras, sin tener en cuenta de momento la construcción perspectiva, de carácter racional. Para favorecer este acercamiento emocional trabajamos con la clase a oscuras, iluminando sólo ciertas zonas. Se pretende así simplificar el problema y generar cierto asombro en el espectador para favorecer la conexión emocional con el espacio. Se trata de un recurso utilizado especialmente en el Barroco para resaltar las emociones que rodean ciertas situaciones.

EL ASOMBRO. Visión sorprendente del espacio conseguida mediante la radicalización de la luz y la sombra. El Greco, Joven con vela. Rembrandt, Cristo en Emaús, La Sagrada Familia. Caravaggio, La Vocación de san Mateo

TRABAJO FIN DE SEMANA:

SIMPLIFICACIÓN DEL AMBIENTE DEL AULA MEDIANTE POLÍGONOS DE LUZ Y SOMBRA

El trabajo fin de semana consiste en elaborar una serie de dibujos mediante Photoshop a partir de dos de las fotografías realizadas en clase, coincidentes con los apuntes que se han elaborado.

Se trata de simplificar el ambiente, geometrizándolo y enfatizando el contraste de luces y sombras hasta conseguir el ASOMBRO.

Se utilizará la transparencia, como en los ejemplos que aparecen más abajo.

Se trabajará secuencialmente, según el ejemplo inferior, y se colgarán los distintos momentos del proceso.

Al colgar los trabajos se colgará, en la misma carpeta, el apunte realizado en clase del mismo tema.

El espacio interior es un aire disponible para habitar. Muebles, objetos y seres vivos deambulan por él explorando sus posibilidades. Acomodamos nuestras actividades a la posibilidad del lugar. Los espacios ofrecen opciones de estar pero, y esto es lo más interesante, también permiten ser.
El estudio de un artista es un buen ejemplo, a veces a penas se puede pasar entre el caos de cachivaches amontonados sin embargo, todo lo inunda la plenitud del ser. Todos esos objetos le facilitan su obrar, el lugar le permite ser artista.
Desconfío de las casas ordenadas, siempre dispuestas como para una foto de revista. Me emocionan esos rincones que acumulan objetos referentes a un mismo tema: libros amontonados, colecciones frikis, montón de ropa, plantas de interior que sueñan con ser selvas, instrumentos, mesas de trabajo revueltas, un piano de cola que se zampó el salón, suelos donde se amontona lo que ya no cabe en las mesas, bañeras llenas de revistas, laboratorios de revelado en el baño… homo faber y homo ludens en acción.
El dibujo de ambiente es sensible a esos asuntos, desvela la actividad, sus protagonistas y el lugar que lo hace posible; la cualidad espacial. Ningún detalle formal es necesario, son sólo atmósfera, material emocional fugaz e imprevisible que encuentra sentido en lo humano, en su estar siendo.
Después de escribir esta sarta de pedantes chorradas, había que intentarlo, es cuando me doy cuenta que hay cosas que son más fáciles de decir dibujando que hablando. Esto me pasa todos los años en clase, la cantidad de gilipolleces que puede llegar a decir un profesor, yo por ejemplo, convencido además de que estás ofreciendo una gran enseñanza.
Hoy quería que fuese distinto, me he llevado un taco de post-it 7,6 X 12,6 cm, me he puesto en el punto de vista que el aprendiz había elegido y he hecho unos dibujitos auxiliares, una toma de posición que les ayudase a cambiar la mirada. Tres minutos, lo despego del taco, lo pego en una esquina de su caballete y me voy. No sé si servirá de algo pero al menos no les he mortificado con palabras inútiles.

Tras las jornadas del jueves y el viernes trabajando sobre The Prophecy (1955, Stanton MacDonal-Wright) debemos volver sobre algunas cuestiones destacables de dicha obra que no acaban de aparecer en vuestros dibujos:

  • La composición es dinámica, parece implicar una secuencia de movimientos: rotación y traslación.

  • Hay superposición de planos, no es una obra semejante a una vidriera, de un solo plano. Los distintos elementos se superponen y – gracias a la transparencia – revelan relaciones complejas entre las partes.

  • El elemento central, el “dedo” o cuerpo blando central y sus dos brazos, centran los colores frios y tonos oscuros. El color, los tonos cálidos y luminosos, envuelven el elemento central como una espiral de ADN. El tema de la organización radial resuena por toda la imagen como manera de organizar los polígonos que la forman en todo el espacio del cuadro.

En muchos de vuestros trabajos, asistimos a un despliegue de “vidrieras”, conjuntos planos de polígonos perfectamente separados unos de otros en los que la composición queda atrancada y se pierde completamente el carácter dinámico y transparente de la imagen original.

Para entender la imagen de manera sencilla y ver las características principales hemos superpuesto algunos de vuestros trabajos. Los elementos que más se repiten aparecen como un fantasma y hacen explícita la organización de la imagen. Esta manera de ver la imagen la disuelve y elimina mucho detalle, pero hace patente las características principales de la composición.

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Arriba izquierda, montajes por superposición. A la derecha, la imagen original.

Usando estos collages de imágenes como guía, junto a la imagen original, hay que elaborar una propuesta en Photoshop, Krita, Procreate, Illustrator o alguna aplicación equivalente que permita superponer polígonos de color con transparencia atendiendo al proceso por capas. Cada etapa del proceso se hará en una capa distinta de manera que luego pueda guardarse la secuencia ordenada del dibujo, que será la entrega.

Resumiendo:

  • Se elaborará una imagen compleja por superposición a partir de The Prophecy.

  • El proceso se hará explícito como una secuencia ordenada de imágenes, debe ir de lo general a lo particular. Comenzando – por ejemplo – con una primera organización del elemento oscuro principal sobre un fondo claro al que se van superponiendo elementos cada vez más detallados, etc.

  • Es muy importante ordenar adecuadamente los elementos fríos/oscuros, y los cálidos/luminosos según las reglas del juego que crea Macdonald-Wright (a saber: composición dinámica, centros de traslación / rotación, etc.)

  • Es fundamental el uso de la transparencia.

Bill Evans, pianista y compositor, un maestro con todas las letras. Co creador de clásicos como el álbum “Kind of Blue” junto a Miles Davis o maravillas como su disco “Conversations with myself” en el que improvisa consigo mismo gracias a la grabación multipista…

En este video, Evans reflexiona sobre el proceso creativo alrededor del jazz. Lo hace con altura de miras de manera que lo que dice resuena con lo que hacemos todos los que estamos implicados con la creación.

Escuchad con atención lo que tiene que decir sobre cómo abordar un problema creativo complicado, sobre la práctica y la reflexión sobre lo que uno hace.

Con este collage finaliza la interpretación del cuadro de Rubens.

El objetivo del trabajo en su conjunto es entender que junto al aspecto figurativo del cuadro, existe un aspecto abstracto, un sistema de relaciones que garantizan la unidad de la obra, la relación entre las partes y el todo. Ese sistema abstracto se puede hacer patente explicitando la trama de líneas determinadas por las envolventes aproximadas de las figuras o por ciertas líneas parcialmente materializadas por los miembros de los personajes pero que podemos prolongar. La trama relaciona las partes entre sí.

El resultado debe ser, por tanto, una integración de los aspectos figurativos -visibles- y abstractos -no visibles directamente, pero que nosotros hacemos visibles.

El trabajo constará de dos partes, realizadas en el mismo soporte. Una primera que explicita la trama de líneas, y una segunda que coloca las figuras dentro de esta trama.

El collage se realizará a partir del tamaño DINA3, teniendo en cuenta la proporción del original, por lo que habrá que cortar una parte del papel.

Para el tratamiento de las figuras se usarán como referencia los collages del pintor Henri Matisse que se acompañan. También se acompaña como orientación una interpretación de esa trama.

Henri Matisse. Desnudos azules I a IV. 1952

Burgaleta. Tramas.

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